Die Eröffnungstöne von "How Soon Is Now?" von The Smiths, die in einem angespannten Moment einsetzen. Iggy Pops "The Passenger", das während einer sonnenverwöhnten Fahrt durch eine offene Welt läuft. Ein sorgfältig lizenzierter Track, der genau im richtigen Moment erklingt, kann ein gutes Spiel zu einem unvergesslichen machen.
Die Sache ist die: Lizenzierte Musik in Spielen ist ein ganz anderes Kaliber als ein Filmsoundtrack. Spieler verbringen Stunden, manchmal Hunderte von Stunden, mit diesen Songs. Sie wiederholen sich. Sie werden untrennbar mit bestimmten Erinnerungen verbunden. Wenn es richtig gemacht wird, verschmilzt ein realer Track für immer mit einer virtuellen Welt in deinem Gehirn.
Der Borderlands-Moment, der alles veränderte
Fragt man fast jeden, der Tales from the Borderlands gespielt hat, woran er sich zuerst erinnert, lautet die Antwort fast immer gleich: "Take On Me" von A-ha, das während der Eröffnungssequenz dröhnt. Telltale Games setzte den Track mit solcher Präzision ein, dass er zum prägenden Bild des gesamten Spiels wurde. Es war fröhlich, leicht absurd und passte perfekt zum Ton von zwei Charakteren, die sich durch eine Katastrophe stolperten, die sie kaum verstanden.
Was die meisten Spieler übersehen, ist, wie viel kreatives Risiko diese Entscheidung barg. Die Lizenzierung eines so bekannten Tracks kostet echtes Geld, und es gibt keine Garantie, dass er ankommt. Hier kam er perfekt an.
GTA Radio und die Kunst, eine Welt durch Playlists zu erschaffen
Rockstar Games behandelt das In-Game-Radio seit Jahrzehnten als eine echte Kunstform. Der Soundtrack von Grand Theft Auto: Vice City, der sich über Sender wie Flash FM und Wave 103 erstreckte, nutzte lizenzierte Tracks von Künstlern wie Michael Jackson, Toto und Blondie, um etwas zu erreichen, das keine Originalkomposition hätte leisten können: Er ließ das Miami von 1986 echt wirken.
Der Schlüssel hier ist, dass die Musik nicht nur Atmosphäre war. Sie war Charakterisierung. Wenn man Flock of Seagulls im Radio hörte, während man in einem pastellfarbenen Anzug durch neongetränkte Straßen fuhr, sagte das alles über die Welt aus, in der man sich befand, noch bevor eine einzige Zeile Dialog gesprochen wurde.
GTA V trieb dies weiter voran mit Stevie Wonder, Flying Lotus und Tyler, the Creator, die alle auf seinen Sendern vertreten waren und jedem Charakter seine eigene klangliche Identität verliehen, je nachdem, was sie beim Fahren hörten.
Info
Lizenzkosten für große Tracks können sechsstellige Beträge pro Titel betragen. Rockstars Investition in den Soundtrack von Vice City wird weithin als Maßstab für das Audio-Design in offenen Welten anerkannt.
Hotline Miami und das Plädoyer für Underground-Musik
Nicht jeder Meilenstein der Nutzung lizenzierter Musik beinhaltet bekannte Namen. Hotline Miami baute seine gesamte Identität auf einer Auswahl von Tracks von Künstlern wie Perturbator, Carpenter Brut und El Huervo auf, die die meisten Spieler noch nie zuvor gehört hatten. Die Musik wurde lizenziert statt als Originalkomposition, und sie funktionierte, weil sie mit fast chirurgischer Präzision ausgewählt wurde.
Der unerbittliche, neongetränkte Synthwave passte so vollständig zur rhythmischen Gewalt des Spiels, dass es heute unmöglich ist, die beiden zu trennen. Mehrere dieser Künstler erlebten einen Karrierebeschleuniger direkt aufgrund der Exposition. Das ist ein seltener Fall, in dem lizenzierte Musik allen Beteiligten wirklich zugutekommt.
Der One-Track-Wonder: Wenn ein einziger Song alles trägt
Manchmal reicht ein einziger Track. Bioshock Infinite nutzte "Will the Circle Be Unbroken" auf eine Weise, die die gesamten Themen des Spiels rund um Religion und Gemeinschaft neu kontextualisierte. The Last of Us nutzte "Future Days" von Pearl Jam als seinen emotionalen Anker am Ende, eine Entscheidung, die die Spieler immer noch spaltet, aber für diejenigen, mit denen sie resoniert, eine enorme Wirkung hat.
Spider-Man: Into the Spider-Verse, das Spiel-Gegenstück, nutzte Hip-Hop-Auswahl, die die Ästhetik des Films widerspiegelte, aber es sind die ursprünglichen Spieleinträge, insbesondere die Marvel's Spider-Man-Reihe, die sich auf die New Yorker Hip-Hop-Kultur konzentrieren, die zeigen, wie lizenzierte Tracks das Gefühl von Ort eines Spiels verstärken können.
Warum manche lizenzierte Musik scheitert und manche legendär wird
Der Unterschied zwischen einem lizenzierten Track, der funktioniert, und einem, der sich wie eine Werbung anfühlt, liegt im Kontext. Zufällig in eine Playlist gestreute Songs fühlen sich transaktional an. Songs, die ausgewählt wurden, weil sie den Ton, die Themen oder das Setting des Spiels wirklich widerspiegeln, fühlen sich beabsichtigt an.
Tony Hawk's Pro Skater ist das Lehrbuchbeispiel dafür, wie man es richtig macht. Dead Kennedy's, Goldfinger, Rage Against the Machine und Primus waren keine zufälligen Auswahlen. Sie waren der tatsächliche Soundtrack der Skate-Kultur in den späten 1990er Jahren. Das Spiel borgte sich keine Glaubwürdigkeit von diesen Künstlern. Es spiegelte eine bereits existierende Kultur wider und gab den Spielern das Gefühl, gesehen zu werden.
Die Ergänzung von Rage Against the Machine's "Guerrilla Radio" im Sequel bleibt einer der meistdiskutierten Track-Platzierungen in der Gaming-Geschichte, und das aus gutem Grund.
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