Las notas iniciales de "How Soon Is Now?" de The Smiths sonando en un momento de tensión. "The Passenger" de Iggy Pop acompañando un recorrido por un mundo abierto bañado por el sol. Una canción cuidadosamente licenciada que aparece en el momento justo puede convertir un buen videojuego en uno inolvidable.
La cosa es que la música licenciada en los videojuegos es algo completamente distinto a la banda sonora de una película. Los jugadores pasan horas, a veces cientos de horas, con estas canciones. Se repiten. Se vuelven inseparables de recuerdos específicos. Si se hace bien, una canción del mundo real se fusiona permanentemente con un mundo virtual en tu cerebro.
El momento de Borderlands que lo cambió todo
Pregúntale a casi cualquier persona que haya jugado a Tales from the Borderlands qué recuerda primero, y la respuesta es casi siempre la misma: "Take On Me" de A-ha sonando a todo volumen durante la secuencia de apertura. Telltale Games usó la canción con tal precisión que se convirtió en la imagen definitoria de todo el videojuego. Era alegre, ligeramente absurda y encajaba perfectamente con el tono de dos personajes tropezando en un desastre que apenas entendían.
Lo que la mayoría de los jugadores no se dan cuenta es del riesgo creativo que conllevaba esa decisión. Licenciar una canción tan conocida cuesta dinero real, y no hay garantía de que funcione. Aquí funcionó a la perfección.
GTA Radio y el arte de construir un mundo a través de listas de reproducción
Rockstar Games ha pasado décadas tratando la radio del videojuego como una forma de arte genuina. La banda sonora de Grand Theft Auto: Vice City, que abarca estaciones como Flash FM y Wave 103, utilizó canciones licenciadas de artistas como Michael Jackson, Toto y Blondie para lograr algo que ninguna partitura original podría haber conseguido: hizo que el Miami de 1986 se sintiera real.
La clave aquí es que la música no era solo atmósfera. Era caracterización. Escuchar a Flock of Seagulls en la radio mientras conducías un traje pastel por calles iluminadas con neón te decía todo sobre el mundo en el que habitabas antes de una sola línea de diálogo.
GTA V llevó esto más allá con Stevie Wonder, Flying Lotus y Tyler, the Creator apareciendo en sus estaciones, dando a cada personaje su propia identidad sonora a través de lo que escuchaban mientras conducían.
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Los costos de licencia para canciones importantes pueden ascender a seis cifras por título. La inversión de Rockstar en la banda sonora de Vice City es ampliamente reconocida por establecer el estándar para el diseño de audio de mundo abierto.
Hotline Miami y el caso de la música underground
No todos los usos emblemáticos de música licenciada involucran nombres conocidos. Hotline Miami construyó toda su identidad en torno a una selección de canciones de artistas como Perturbator, Carpenter Brut y El Huervo que la mayoría de los jugadores nunca habían escuchado antes. La música fue licenciada en lugar de ser una composición original, y funcionó porque fue elegida con una precisión casi quirúrgica.
El implacable synthwave bañado en neón coincidía tan completamente con la violencia rítmica del videojuego que ahora es imposible separarlos. Varios de esos artistas vieron sus carreras acelerarse directamente debido a la exposición. Ese es un caso raro de música licenciada que beneficia genuinamente a todos los involucrados.
La joya de un solo tema: cuando una sola canción lo soporta todo
A veces, solo se necesita una canción. Bioshock Infinite utilizó "Will the Circle Be Unbroken" de una manera que recontextualizó los temas del videojuego sobre religión y comunidad. The Last of Us utilizó "Future Days" de Pearl Jam como su ancla emocional al final, una elección que todavía divide a los jugadores pero que tiene un peso enorme para aquellos con los que conecta.
Spider-Man: Into the Spider-Verse, su contraparte en videojuego, utilizó selecciones de hip-hop que reflejaban la estética de la película, pero son las entregas originales del videojuego, particularmente la serie Marvel's Spider-Man que se inclina hacia la cultura hip-hop de Nueva York, las que muestran cómo las canciones licenciadas pueden reforzar el sentido de lugar de un videojuego.
Por qué alguna música licenciada falla y alguna se vuelve legendaria
La diferencia entre una canción licenciada que funciona y una que se siente como un anuncio radica en el contexto. Las canciones que se insertan aleatoriamente en una lista de reproducción se sienten transaccionales. Las canciones elegidas porque reflejan genuinamente el tono, los temas o el escenario del videojuego se sienten intencionales.
Tony Hawk's Pro Skater es el ejemplo perfecto de cómo hacer esto bien. Dead Kennedy's, Goldfinger, Rage Against the Machine y Primus no fueron selecciones aleatorias. Eran la banda sonora real de la cultura del skate a finales de los 90. El videojuego no tomó prestada credibilidad de esos artistas. Reflejaba una cultura que ya existía y hacía que los jugadores se sintieran vistos.
La adición de "Guerrilla Radio" de Rage Against the Machine en la secuela sigue siendo una de las colocaciones de canciones más discutidas en la historia de los videojuegos, y por una buena razón.
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