Imagínate esto: es 2015, estás guiando a Max Caulfield por los pasillos de Blackwell Academy, y Syd Matters canta suavemente "to all of you American girls..." en tus auriculares. Antes de que hayas tocado la mecánica de retroceso, Life is Strange ya te ha dicho exactamente qué tipo de videojuego es.
Ese momento musical de apertura tiene ya 11 años. Sigue funcionando.
¿Por qué la música licenciada en videojuegos solía sentirse como una ocurrencia tardía?
Durante la mayor parte de la historia de los videojuegos, las pistas licenciadas cumplían un propósito bastante directo. Guitar Hero te daba la fantasía de interpretarlas. Grand Theft Auto usaba estaciones de radio para construir una atmósfera auténtica de la época. Los juegos deportivos y de carreras apilaban sus menús con cortes licenciados porque la energía y el reconocimiento de marca vendían copias.
La clave aquí es que la música era en gran medida decorativa. Existía junto al videojuego, no dentro de él.
Eso comenzó a cambiar cuando los juegos episódicos explotaron a mediados de la década de 2010. Distribuir una historia en cinco o seis entregas cambió el ritmo de cómo los jugadores consumían videojuegos, haciéndolos sentir más cercanos a la televisión de prestigio. Y la televisión de prestigio, en su mejor momento, trata su música como un personaje. Piensa en cómo "How to Save a Life" de The Fray resonó diferente en un episodio de Scrubs de lo que jamás lo hizo en la radio. El contexto transforma una canción.
Telltale Games entendió esto desde temprano. Tales from the Borderlands abriendo un episodio con "Busy Earnin'" de Jungle es un ejemplo perfecto de un desarrollador usando una pista licenciada para establecer el tono antes de que aterrice la primera línea de diálogo. Pero incluso los mejores momentos de Telltale se sienten como una preparación en comparación con lo que el desarrollador Dontnod Entertainment logró con Life is Strange.
¿Qué hizo bien Dontnod que la mayoría de los estudios no logran?
Life is Strange se inclina hacia una cepa muy específica de rock indie melancólico. Guitarras acústicas distorsionadas. Canciones que suenan como si hubieran sido grabadas en el apartamento de alguien a las 2 a.m. Artistas que suenan como si estuvieran procesando algo que aún no han entendido del todo.
Esa cualidad experimental y ligeramente improvisada refleja el propio videojuego. Dontnod era un estudio francés que hacía su mejor intento por representar la vida adolescente del noroeste del Pacífico estadounidense, y las costuras se notan en algunos lugares. El diálogo tiene algunas líneas genuinamente notorias ("welcome to the moshpit, shaka brah" ha vivido gratis en la cultura gamer durante una década). Pero la elección musical compensa mucho de eso, porque es emocionalmente honesta incluso cuando el guion no lo es.
Lo que la mayoría de los jugadores no notan es cuán deliberadamente escala la banda sonora. Los primeros episodios se sienten como una lista de reproducción de "coming-of-age", cálida y ligeramente melancólica. Para el episodio final, la música ha cambiado a algo más pesado, más resignado. El videojuego se gana su canción final.
Peligro
La canción final, "Spanish Sahara" de Foals, se reproduce independientemente de la conclusión que elijas, y funciona para ambas. Eso no es suerte. Es una curación precisa.Spanish Sahara y el arte de la canción final perfecta
"Spanish Sahara" de Foals es una de esas canciones que se construye tan lentamente que casi no te das cuenta de que te está consumiendo. Para cuando alcanza su punto álgido, ya te has ido. Aplicada al final de Life is Strange, ya sea que estés viendo un funeral, alejándote de un pueblo destruido o lidiando con el peso de todo lo que Max no pudo arreglar, la canción lo absorbe todo.
La pista está cargada de suficiente ambigüedad para abarcar múltiples lecturas emocionales simultáneamente. Eso es raro. La mayoría de las pistas licenciadas son demasiado específicas para funcionar en diferentes elecciones de jugador. "Spanish Sahara" de alguna manera encaja en todas las versiones del final, razón por la cual Deck Nine la trajo de vuelta para Life is Strange: Reunion cuando los jugadores se encuentran con la versión de la Línea de Tiempo Muerta de Chloe Price.
Esa referencia es el respaldo más fuerte posible de la dirección musical del videojuego original. No revisitas una canción once años después a menos que haya significado algo real.
Reunion y la larga sombra de la banda sonora original
Life is Strange: Reunion concluyó recientemente la historia de una década de Max Caulfield y Chloe Price, y su música tiene algunos momentos fuertes. Escuchar "I'll Die Anyway" de Girl in Red al principio de Reunion tiene un peso real dado el contexto. La serie ha mantenido un instinto curatorial consistente a lo largo de sus entregas.
Pero el videojuego original estableció un listón que es genuinamente difícil de superar. Su banda sonora se sintió menos como una lista de reproducción ensamblada por un supervisor musical y más como un documento de un estado emocional específico. Improvisada, sincera y lo suficientemente sin pulir como para sentirse real.
Para una mirada más profunda a cómo los videojuegos de toda la industria manejan la música y el diseño de audio, explora las últimas reseñas para ver cómo se comparan los lanzamientos recientes. Y si la serie Life is Strange te deja con ganas de revisitar otros juegos narrativos con bandas sonoras excepcionales, consulta más guías para encontrar tu próxima partida.
